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La Preistoria

Le civiltà fluviali

La Preistoria

Il contesto storico

La Preistoria è il lunghissimo periodo che precede l’invenzione della scrittura. Si suddivide in quattro periodi, in relazione alla diversa lavorazione della pietra. Paleolitico: si utilizzano asce in pietra per la caccia; Mesolitico: si producono oggetti in pietra più definiti; Neolitico: si leviga la pietra per realizzare armi e attrezzi e si scopre la ceramica; Eneolitico: si scopre l’uso del rame e del bronzo.

Il Paleolitico

Le prime forme artistiche preistoriche sono pitture e incisioni rupestri, attribuite all’Homo Sapiens Sapiens. A seconda della tecnica adottata, queste immagini sono di due tipi: incisioni o graffiti → realizzate scavando la roccia con pietre appuntite; pitture → realizzate tracciando figure sulla roccia con pigmenti vegetali o minerali. Le caratteristiche dell’arte paleolitica sono un’attenta osservazione della realtà e la conoscenza dei materiali e delle tecniche da utilizzare. La scoperta, nell’Ottocento, della grotta di Altamira in Spagna fece comprendere agli studiosi una nuova visione dell’età preistorica: la rappresentazione degli animali aveva un significato propiziatorio e non descrittivo. Dello stesso periodo delle pitture rupestri sono le veneri o grandi madri, piccolissime sculture in osso o in pietra che rappresentano in modo schematico le figure femminili e rimandano al culto della fecondità, cioè della dea Madre Terra.

Neolitico

Il Neolitico è caratterizzato dalla scoperta dell’agricoltura e dalla pratica dell’allevamento di ovini e bovini. Questo cambiamento comporta la sedentarizzazione: nascono i primi villaggi in cui ogni individuo ha un compito e un ruolo particolare. Si impara a lavorare l’argilla e a creare nuovi utensili di uso quotidiano e oggetti rituali. Compaiono le prime costruzioni megalitiche, edifici costruiti con massi di pietra giganteschi, che sono di tre tipi: menhir → grandi massi piantati verticalmente nel terreno; dolmen → strutture formate da tre massi, di cui due verticali che sostengono il terzo, posto orizzontalmente; cromlech → un insieme di menhir e dolmen disposti in forma circolare. Il più famoso complesso megalitico è quello di Stonehenge, nell’Inghilterra meridionale. In Sardegna nasce la civiltà nuragica, che si sviluppa durante l’età del bronzo. I nuraghe sono torri a forma di tronco di cono, a più piani, costruite a secco. Collocati spesso all’interno di un villaggio, occupano una posizione elevata a scopo difensivo. Antiche sculture risalenti alla civiltà nuragica sono i Giganti di Mont’e Prana, statue in pietra alte più di 2 metri che rappresentano guerrieri, pugili e arcieri.

L’Umanesimo

Il contesto storico

Dopo la crisi del Trecento, causata dalla peste e dalla carestia, l’Europa si risolleva e i commerci rifioriscono.In Italia i Comuni si trasformano in Signorie, governate da signori che hanno conquistato il potere con la forza o con la ricchezza personale e che spesso ottengono titoli prestigiosi dal papa o dall’imperatore. In questo modo le Signorie si trasformano in Principati e in Stati regionali.Grazie all’abilità diplomatica di uno di questi signori, Lorenzo de’ Medici signore di Firenze, viene mantenuta la Pace di Lodi fra gli Stati regionali italiani.In questo contesto di pace e prosperità l’Italia esce dal Medioevo ed entra nell’Umanesimo.

Umanesimo civile e culturale

Nel Quattrocento si abbandona l’idea medievale di essere umano peccatore, sottoposto al potere della Chiesa, a favore di un individuo capace di governare la propria vita, servendosi delle proprie virtù e della propria intelligenza e in grado di apprezzare la bellezza del creato e del corpo umano.Questa concezione è definita Umanesimo, cioè interesse ed esaltazione di tutto ciò che riguarda l’essere umano: umanesimo civile → esaltazione dell’essere umano come cittadino; umanesimo culturale → esaltazione dell’essere umano come immagine di Dio sulla terra.

IL MECENATISMO

A Firenze gli intellettuali si concentrano nella cerchia dei Medici, grandi mecenati, cioè protettori di artisti. Il fenomeno del mecenatismo è presente in tutte le corti dell’epoca: si mantengono filosofi e artisti per poter adornare i palazzi con opere d’arte che esaltino il potere.

URBINO, LA NUOVA ATENE

Federico da Montefeltro, capitano di ventura e mecenate, cerca di consolidare il suo dominio: affidando a Francesco di Giorgio Martini, il primo ingegnere militare della storia italiana, le fortificazioni dei castelli della zona; incaricando Luciano Laurana, architetto, di trasformare il castello di Urbino in un edificio che abbia le caratteristiche di fortezza, abitazione privata e rappresentanza. ospitando alla corte di Urbino non solo artisti e letterati, ma anche scienziati e matematici.

IL PALAZZO E LA CITTÀ

Ai modelli romanici e gotici si sostituiscono edifici in cui dominano stili e tipologie del mondo classico: frontoni, colonne, archi a tutto sesto. Le piante e le facciate sono disegnate in base a rapporti matematici e proporzioni che donano armonia all’insieme.Le vie, che si incrociano ad angolo retto, presentano uno schema regolare.Si cerca di definire la città «ideale»: un esempio è Pienza, in provincia di Siena.

NUOVI GENERI E NUOVI TEMI

L’arte del Quattrocento riscopre: il ritratto, che esalta il carattere e la personalità dell’individuo; i monumenti civili, che celebrano alcune qualità dell’individuo come il coraggio e il valor militare; lo sviluppo degli studi anatomici e le opere in cui si esalta la bellezza del corpo umano.

LA NASCITA DELLA PROSPETTIVA

Il cambiamento più significativo avviene nel modo di raffigurare lo spazio. L’artista deve essere in grado di riprodurre perfettamente lo spazio su una superficie piatta come una tela: nasce la prospettiva.Filippo Brunelleschi, architetto e scultore, definisce i criteri della prospettiva lineare o geometrica secondo la quale, stabiliti il punto di vista dell’osservatore e un punto di fuga sulla linea dell’orizzonte della scena rappresentata, in questo punto confluiscono tutte le linee di profondità o prospettiche. Leonardo da Vinci elabora la prospettiva aerea: rende i contorni delle cose più sfumati e i colori meno vivaci a seconda delle distanze rappresentate.

Filippo Brunelleschi

Filippo Brunelleschi (1377-1446) fu orafo, scultore e architetto, costruttore di congegni meccanici. Nel 1401 partecipa, come orafo, al concorso per la realizzazione della seconda porta del Battistero di Firenze. Sconfitto da Ghiberti, Brunelleschi parte con Donatello per Roma, per dedicarsi alla ricerca e allo studio delle opere dell’antichità. Tornato a Firenze si dedica agli studi sulla prospettiva. Brunelleschi è il primo architetto a prevedere, oltre alla struttura degli edifici, un legame con la piazza su cui si affacciano.  Capolavoro assoluto di Brunelleschi, divenuto poi simbolo di Firenze, è la cupola di Santa Maria del Fiore, duomo della città.

Leo Battista Alberti

Leon Battista Alberti (1404-1472), architetto, scrive il primo trattato organico di architettura, in cui raccoglie le regole fondamentali dell’architettura, e la prima trattazione completa sulla prospettiva, messa in pratica da Brunelleschi.Fu molto apprezzato dai Signori dell’epoca: il suo primo impegno architettonico è a Rimini, dove crea il Tempio Malatestiano, un’opera innovativa. A Firenze imposta il modello di palazzo signorile rinascimentale realizzando il palazzo della famiglia Rucellai e applica i princìpi matematici e proporzionali nella facciata di Santa Maria Novella. A Mantova recupera la tradizione classica nella Chiesa di San Sebastiano e nella Chiesa di Sant’Andrea.

Donatello

Donatello (1386-1466), scultore, inizia la sua attività a Firenze, dove lavora il marmo insieme ad altri materiali come legno, pietra serena, stucco, bronzo e terracotta.  Attua una rivoluzione nella scultura, abbandonando i modelli eleganti privi di corposità del tardo gotico e riscoprendo la solidità del corpo umano della statuaria antica.  È maestro assoluto della tecnica dello stiacciato, un rilievo bassissimo che intende dare una riduzione in prospettiva del volume reale dei corpi. La fama di Donatello determina richieste di opere in tutta Italia, ma la città che vede le opere più grandiose è Padova, dove crea capolavori come l’altare nella Basilica di Sant’Antonio.

Masaccio

Masaccio (1401-1428), pittore, elabora un modo nuovo per rappresentare lo spazio nel quale egli colloca i suoi personaggi in tutta la loro concretezza fisica.  Questa ricerca appare evidente già nella sua prima grande opera, la decorazione della Cappella Brancacci a Firenze, dove dimostra di aver appreso da Brunelleschi la padronanza delle regole prospettiche e da Giotto la rappresentazione molto realistica dei personaggi.  Nella sua opera Trinità di Santa Maria Novella vengono rappresentate contemporaneamente pittura, scultura e architettura.

Piero della Francesca

Secondo Piero della Francesca (1415/1420-1492) lo scopo della pittura è la rappresentazione dell’armonia dell’universo: tutti gli aspetti e le forme del mondo possono essere ricondotti a forme geometriche essenziali e i rapporti fra di esse dipendono da regole matematiche e geometriche.Riesce a creare l’idea di tridimensionalità disponendo le figure su piani diversi. Ha una straordinaria cura per i dettagli minuziosi e per gli effetti della luce sulle figure e sulle architetture. La luce non è quella naturale, ma è una luce astratta, i volti non hanno caratteristiche individuali ma rappresentano sempre il riflesso della perfezione divina.

Andrea Mantegna

L’opera di Andrea Mantegna (1431-1506) è frutto degli studi dei grandi autori che lavoravano a Padova intorno alla metà del Quattrocento. La loro influenza indirizza il pittore verso l’amore per i classici e il recupero della storia e per un utilizzo originale della prospettiva, come nell’oculo della Camera degli sposi e nel Cristo morto di Brera. Mantegna raggiunge la maturità e un suo stile a Mantova, dove viene nominato pittore di corte dei Gonzaga.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli (1445-1510) era il pittore prediletto di Lorenzo il Magnifico, alla cui corte nacque la filosofia del neoplatonismo: l’essere umano poteva superare se stesso e arrivare a una condizione divina nella contemplazione della bellezza e nell’amore.Botticelli nelle sue opere ricerca una bellezza sovrumana come quella presente nella mitologia antica. Le sue opere più famose sono tratte da miti pagani come la Nascita di Venere e la Primavera. Non è interessato alla resa dello spazio prospettico, ma ricerca l’eleganza delle figure, sottolineando le linee del contorno dei corpi e i panneggi degli abiti.

La pittura fiamminga

Nel Quattrocento la zona delle Fiandre (Francia, Belgio e Olanda) raggiunge una straordinaria crescita culturale e artistica. Nasce in questo contesto la scuola fiamminga, i cui caratteri particolari sono la descrizione minuziosa della realtà, l’attenzione alla luce del paesaggio e al suo diffondersi all’interno delle abitazioni. Le opere prodotte possono essere di dimensioni modeste (destinate alle dimore private) o di grandi dimensioni come i polittici (destinati alle chiese).Una grande innovazione tecnica si realizza con la nascita della pittura a olio.

Antonello da Messina

La pittura a olio fu portata in Italia da Antonello da Messina (1430-1479), come appare evidente nel San Girolamo nello studio, opera che unisce una perfetta impostazione prospettica a un’attenzione per i particolari e per le fonti di luce. A Roma e a Venezia Antonello da Messina entra in contatto con Piero della Francesca, da cui sarà profondamente influenzato.È inoltre un grande maestro del ritratto, come i pittori fiamminghi.

Il Rinascimento

Il contesto storico

La scoperta dell’America (1492) provoca lo spostamento dei traffici commerciali dal Mediterraneo all’Atlantico: l’unico Paese che si avvantaggia è la Spagna, finanziatrice dell’impresa di Colombo.Il potere della Spagna si afferma in tutta Europa. In Italia solo Venezia e lo Stato della Chiesa mantengono la loro indipendenza. Il tentativo della Chiesa di opporsi al predominio spagnolo causa il Sacco di Roma (1527), che segna una frattura con l’età precedente.Nasce, inoltre, in Germania un movimento religioso di protesta (Riforma protestante), guidato da Martin Lutero, contro la corruzione della Chiesa di Roma.

La rinascita dell’arte

Durante il Rinascimento: si riprende la cultura classica greca e romana; l’essere umano è percepito come individuo in grado di determinare il proprio destino; i fenomeni naturali vengono indagati tramite la matematica. Le città italiane in cui si sviluppa questo movimento sono: Firenze, Milano, Venezia, Napoli e Roma.

Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci (1452-1519), scienziato, pittore, scultore, architetto, scenografo, letterato, musicista, non si ispira all’arte antica ma al mondo naturale che studia in tutte le forme. Il prodotto di questi studi sono migliaia di disegni riuniti in raccolte (chiamate codici) e corredati da note scritte da destra verso sinistra.È considerato il padre della fisiognomica, cioè quella disciplina che studia la forma esterna del volto umano come espressione del carattere dell’individuo.Per Leonardo anche la pittura è una scienza perché è basata sulla prospettiva e sullo studio dei fenomeni naturali.La prima formazione di Leonardo avviene a Firenze nella bottega del Verrocchio, pittore e scultore. Innovativa è la rappresentazione dello spazio che avviene attraverso l’uso della prospettiva aerea, riprodotta con la tecnica dello sfumato: tutti i soggetti appaiono meno definiti, quanto più sono lontani dall’osservatore, proprio come avviene nella realtà. Leonardo compone i soggetti delle sue opere secondo una struttura piramidale. Tra i suoi capolavori ci sono La Gioconda e L’Ultima Cena.

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) mostra straordinarie qualità artistiche sin dal periodo di apprendistato a Firenze, tanto da essere apprezzato da Lorenzo il Magnifico.A Roma diventa famoso sia per opere che si rifanno al passato sia per sculture assolutamente originali come la Pietà. Il papa Giulio II gli affida il progetto grandioso della sua tomba.A Firenze scolpisce il David, il simbolo dell’indipendenza della città.In pittura utilizza ampiamente il chiaroscuro, cioè la variazione di toni chiari e scuri, per rendere il volume e la tridimensionalità dei soggetti, quasi come se fossero scolpiti. Costretto dal papa a decorare la Cappella Sistina nonostante non conosca la tecnica dell’affresco, Michelangelo realizza un’opera che è un successo, sia per la complessità del contenuto, sia per la ricchezza dei colori e la potenza delle figure rappresentate. Il Giudizio universale evidenzia la terribile visione dell’autore: non esistono pietà o speranza per il destino degli esseri umani, ma domina l’idea di una condanna terribile che li attende per l’eternità.Per le sculture delle Tombe Medicee a Firenze Michelangelo utilizza la tecnica del non finito, cioè la presenza dei segni degli strumenti sulla pietra non perfettamente levigata.Secondo Michelangelo scolpire è estrarre dal marmo una figura già contenuta in essa, che deve essere liberata dalla pietra che la circonda. Quando Michelangelo lascia, per scelta, alcune parti della scultura non finite lo fa per indicare che l’artista, persona non perfetta, non riesce a liberare completamente l’idea divina contenuta nel marmo.

Raffaello

Raffaello Sanzio (1483-1520), allievo del Perugino, nelle sue opere lavora affinché l’armonia classica, appresa dallo studio degli antichi, si unisca alla naturalezza dei gesti. Cerca di raggiungere la bellezza ideale, attraverso lo studio delle proporzioni e l’attenzione a ogni piccolo particolare.Nei ritratti, pur rispettando i lineamenti e le caratteristiche psicologiche del personaggio, Raffaello immerge i soggetti in una luce straordinaria e ne sottolinea la forma geometrica essenziale. Raffaello è convinto che esista una continuità fra la cultura del passato e quella del presente e che solo rivalutando ciò che hanno detto gli antichi si può ottenere un vero progresso. Questo messaggio è contenuto nell’affresco della Scuola di Atene.

Donato Bramante

Con Bramante (1444-1514) si afferma un nuovo schema architettonico, a pianta centrale, un’innovazione rispetto alla pianta basilicale in uso precedentemente. Applica in modo geniale i princìpi della prospettiva, creando incredibili illusioni ottiche, dando profondità anche a spazi angusti, come nella chiesa di Santa Maria presso la tomba di San Satiro.Dopo il suo trasferimento a Roma la sua architettura viene influenzata dallo studio delle antichità romane, di cui rimane colpito per la loro semplicità priva di eccessi.

Il Rinascimento a Venezia

I pittori veneti basano le loro opere sull’atmosfera, il paesaggio e la luce e preferiscono inserire la figura umana non nello spazio architettonico ma nel mondo naturale.La scuola pittorica veneta combina l’uso della prospettiva con la descrizione della natura e un uso particolare del colore. La pittura (definita pittura tonale) rende la profondità e il volume attraverso toni diversi di colore e non tramite il disegno e il chiaroscuro. I più grandi rappresentanti sono Giorgione e Tiziano.Nelle opere di Giorgione (1478 circa-1510) protagonista è il colore che, con i toni più chiari e più scuri, costruisce l’immagine e crea la sensazione di uno spazio infinito. Importante è il paesaggio e l’atmosfera naturale. Tiziano (1488/90-1576) fa largo uso del colore brillante e acceso e adotta nuove strutture nella composizione dei quadri, come nel caso dell’Assunta, dove domina un ritmo ascensionale e una grande concretezza delle figure. Riprende l’insegnamento di Giorgione sia nell’adozione del tonalismo, sia nell’inserimento delle figure nel paesaggio. Nella ritrattistica riesce a dare grande vitalità ai soggetti: i personaggi sembrano dialogare tramite l’espressività dei gesti e lo scambio di sguardi.

Il Manierismo

Il Manierismo è una corrente i cui artisti cercano di imitare i pittori precedenti, soprattutto Michelangelo. I manieristi utilizzano queste conoscenze per dare vita non a semplici imitazioni ma a opere bizzarre e originali, con forme contorte e instabili, dai colori accesi e in forte contrasto, lontane dalla rappresentazione della realtà. I rappresentanti di questa corrente sono Iacopo Pontormo, Rosso Fiorentino, Giuseppe Arcimboldo, Parmigianino e Correggio. I principali protagonisti del manierismo veneto sono Tintoretto (1518-1594), Veronese (1528-1588) e Palladio (1508-1580). La pittura di Tintoretto attrae lo spettatore attraverso insoliti punti di vista e forti contrasti tra luce e ombra. Il Veronese evidenzia nelle sue opere la ricchezza della città di Venezia, manifestando interesse per gli scorci arditi e gli effetti illusionistici. L’architetto Andrea Palladio, nelle sue ville per la nobiltà veneta, applica i princìpi e le strutture dell’arte antica, ispirate ai monumenti classici e ai trattati di Vitruvio.

L’arte del Nord Europa

L’opera di Hieronymus Bosch (1453-1516) è una testimonianza delle convinzioni del tempo che gli esseri umani, una volta abbandonato l’Eden, precipitano in un mondo dove regnano il caos e il male. Questa visione del mondo è riportata in molte delle sue opere ma soprattutto nel Giardino delle delizie, dove i simboli della malvagità sono i “grilli”, degli esseri mostruosi. Anche il colore sottolinea la spaccatura fra il bene (toni luminosi) e il male (colori cupi).La condanna della malvagità degli esseri umani è presente anche nelle opere di Pieter Bruegel (1525/1530-1569), tuttavia si nota una maggiore comprensione per la debolezza umana e le tele assumono un aspetto più sereno, senza la presenza di esseri mostruosi. Bruegel adotta lo strumento dell’allegoria e anche i dipinti che sembrano più legati al mondo della natura, nascondono un messaggio morale.Albrecht Dürer (1471-1528), disegnatore e incisore tedesco, conosce e utilizza la prospettiva e la solidità dei corpi, tipiche della pittura italiana.Con Dürer la tecnica dell’incisione diventa uno strumento capace di rivaleggiare con la pittura a olio o la tempera e comincia a diffondersi come alternativa meno costosa rispetto alle tecniche tradizionali.

Il Seicento

Il contesto storico

Il Seicento è un secolo di profondi cambiamenti nell’assetto politico, sociale e culturale dell’Europa. Dal punto di vista politico, nella prima metà del secolo la Spagna ha un ruolo predominante, mentre nella seconda metà la Francia di Luigi XIV si afferma come potenza più importante. Stati come l’Inghilterra e l’Olanda assumono il ruolo di signori dei mari e dei commerci. All’ascesa economica di questi due Paesi corrisponde, dal punto di vista sociale, uno sviluppo della borghesia mercantile. In questo periodo si afferma la cosiddetta Scienza Nuova. Questo movimento, che considera la ragione come unico strumento di conoscenza, anche in opposizione a quanto viene affermato dai testi sacri, cioè dalla Bibbia. Elemento fondamentale è la teoria copernicana (o teoria eliocentrica), sostenuta anche da Galileo Galilei, per cui il Sole è immobile al centro del sistema solare mentre i pianeti gli ruotano intorno.

Il Barocco: la rivoluzione nell’arte

I cambiamenti politici e sociali condizionano anche l’arte. L’affermarsi della borghesia in Paesi come l’Olanda, infatti, allarga il ventaglio dei soggetti rappresentati a scene di vita quotidiana, ritratti di cittadini e commercianti e paesaggi naturali. Allo stesso modo, la consapevolezza di un nuovo universo, spinge gli artisti a rivoluzionare anche l’arte, adottando nuovi tipi di rappresentazione: la raffigurazione del movimento, i forti contrasti luce-ombra, le espressioni drammatiche e le deformazioni convulse del volto. Quest’arte così lontana dai princìpi di armonia ed eleganza del Rinascimento prende il nome di Barocco, probabilmente dal termine barrueca che in portoghese significa “perla di forma irregolare”. Il Seicento viene definito età del Barocco. Il centro in cui nasce questo stile e dove si concentrano i suoi maggiori rappresentanti è Roma, dove i papi utilizzano le forme del Barocco per stupire e attirare il popolo e per affermare il loro potere. Grazie a questo stile Roma si arricchisce di fontane e piazze scenografiche dove straordinari monumenti fondono insieme scultura e architettura.

Roma: Bernini contro Borromini

A Roma, centro fondamentale del Barocco, i protagonisti sono Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) e Francesco Borromini (1599-1667). Una prima fase di collaborazione tra i due avviene all’interno della Fabbrica di San Pietro in cui insieme realizzano il grandioso baldacchino sotto la cupola della Basilica. A questa fase segue però un netto distacco: Bernini realizza opere grandiose come la decorazione interna della Basilica e l’opera più significativa del rinnovamento, cioè la piazza antistante la Basilica stessa. In età barocca la scultura è completamento fondamentale di ogni elemento architettonico. Carattere fondamentale della scultura di Bernini è l’eccezionale fantasia nell’accostare elementi apparentemente privi di collegamento fra loro e la capacità di animare i soggetti grazie ai drappeggi e al movimento delle figure.

Umanesimo civile e culturale

URBINO, LA NUOVA ATENE

Federico da Montefeltro, capitano di ventura e mecenate, cerca di consolidare il suo dominio: affidando a Francesco di Giorgio Martini, il primo ingegnere militare della storia italiana, le fortificazioni dei castelli della zona; incaricando Luciano Laurana, architetto, di trasformare il castello di Urbino in un edificio che abbia le caratteristiche di fortezza, abitazione privata e rappresentanza. ospitando alla corte di Urbino non solo artisti e letterati, ma anche scienziati e matematici.

La diffusione del Barocco

Da Roma l’architettura barocca si diffonde rapidamente nel resto d’Italia e nelle principali capitali europee. Il nuovo stile, con il suo carattere scenografico, viene adottato con entusiasmo dai regnanti di tutta Europa per manifestare il proprio potere attraverso gli edifici del governo o per arricchire le loro capitali.

L’architettura barocca in Italia

In Piemonte i Savoia stanno consolidando il loro potere e cercano di dare un’impronta nuova a Torino modificandone l’assetto urbanistico con piazze scenografiche e palazzi maestosi. Nel sud Italia diversi eventi contribuirono al diffondersi del nuovo stile in due regioni: in Sicilia, nella val di Noto, e in Puglia, con il cosiddetto Barocco leccese.

L’architettura barocca in Europa

Un chiaro esempio di come il nuovo stile possa esprimere il desiderio di fasto e imponenza dei sovrani assolutisti è dato dalla sfarzosa reggia fatta costruire a Versailles, vicino a Parigi, dal re di Francia Luigi XIV che sarà, con i suoi splendidi giardini e giochi d’acqua, un modello per le regge costruite successivamente in tutta Europa.

La pittura in Italia

Nel Seicento si presentano altre tendenze oltre a quella barocca. In pittura si segnalano classicismo e naturalismo, oltre alla rivoluzione introdotta da Caravaggio.

Il Classicismo

Il Classicismo è legato in particolare alla famiglia dei Carracci (Annibale, Agostino e Ludovico), fondatori dell’Accademia degli Incamminati in cui veniva praticato lo studio del nudo, proibito dai princìpi della Controriforma. I Carracci si ispirano ai princìpi della bellezza ideale raffaellesca, ma a volte la loro attenzione per la realtà li porta a scegliere soggetti molto lontani dall’armonia della pittura di Raffaello.Al classicismo dei Carracci si rifanno anche alcuni dei più grandi autori del Seicento come l’ammiratissimo Guido Reni.

Il Naturalismo

La rivoluzione scientifica influenza il terzo grande movimento pittorico seicentesco, il Naturalismo. Gli studi di Galileo, infatti, che si serviva di invenzioni come il cannocchiale o il microscopio, permettono sia di entrare in contatto con gli astri, sia di indagare la natura scendendo in minuscoli dettagli. Nasce la natura morta: quadri che presentano oggetti, elementi vegetali o animali, senza figure umane, indagati con una precisione quasi fotografica. In Italia è la Canestra di frutta di Caravaggio a inaugurare questo genere pittorico. Il Naturalismo, proprio per il suo carattere di analisi attenta della realtà, si presta alle cosiddette scene di genere in cui viene presentata la vita più umile e quotidiana.

Caravaggio

L’autore che rivoluziona la scena italiana e poi, attraverso i suoi seguaci, tutta la scena europea, è Michelangelo Merisi, detto il Caravaggio (1571-1610), che nei pochi anni della sua permanenza a Roma (1592-1606) introduce nel panorama artistico della città una pittura in cui l’analisi dettagliata della realtà si combina con un uso innovativo della luce. Protetto da nobili e alti prelati che ne riconoscono la grandezza, Caravaggio dimostra di non accettare le convenzioni della pittura dell’epoca inserendo nelle sue pale d’altare personaggi umili e lontani dal decoro richiesto ai soggetti sacri; anche se gli vengono affidati incarichi prestigiosi, i contenuti dei dipinti ritenuti scandalosi e la condotta violenta lo costringono a fuggire da Roma, dopo la condanna per aver ucciso un uomo.Il pittore si rifugia a Malta, ma è costretto a fuggire anche dall’isola per motivi non chiari. Dopo aver ricevuto la notizia della grazia, cerca di tornare a Roma ma muore in modo misterioso durante il viaggio; David con la testa di Golia, forse la sua ultima opera, ha il valore di un testamento e di una confessione.

La pittura in Europa

La pittura fiamminga: Rubens

Nelle zone delle Fiandre ancora sottoposte alla Spagna e legate alla religione cattolica, la vita è sottoposta a una severa etichetta, la pittura tende soprattutto a celebrare temi storici, mitologici o religiosi con grande vivacità coloristica e sfarzo dei soggetti rappresentati. L’esponente principale di questa corrente è Pieter Paul Rubens (1577-1640), autore famoso e pittore preferito della regina di Francia Maria de’ Medici.

Gli olandesi: Rembrandt e Vermeer

La pittura olandese (cioè delle regioni diventate autonome dal dominio spagnolo), al contrario di quella fiamminga, nasce da una società protestante, dominata da severe leggi morali e contraria allo sfarzo. Rembrandt van Rijn (1606-1669) è il ritrattista di questa società borghese severa e senza fronzoli, orgogliosa del proprio lavoro e della propria vita onesta e morigerata. Il suo interesse principale è perciò rendere gli aspetti psicologici dei personaggi rappresentati, come si può notare nella sua opera più famosa, La ronda di notte, opera di straordinaria complessità e dai meravigliosi effetti di luce.

L’altro grande protagonista della pittura olandese, Jan Vermeer (1632-1675), a differenza di Rembrandt ha vissuto un’esistenza molto appartata. Le sue opere sono di solito scene di vita quotidiana o paesaggi dove la luce penetra ovunque, rendendo la comune realtà una visione quasi soprannaturale.

La Spagna: Velázquez

Nel Seicento la Spagna entra in una fase di decadenza economica e politica; tuttavia questo decadimento non tocca la vita culturale e artistica, tanto che si parla di Siglo de oro (“secolo d’oro”) spagnolo.Il più grande artista dell’epoca è Diego Velázquez (1599-1660), pittore di corte di Filippo IV. La pittura di Velázquez spazia da scene di genere chiamate bodegones (personaggi umili nel loro ambiente quotidiano) a spettacolari ritratti dei personaggi più importanti dell’epoca. La più celebre tela di Velázquez è Las meninas.

Il Settecento

Il contesto storico

Il Settecento è un secolo di grandissimi cambiamenti dovuti soprattutto al rafforzarsi della borghesia. In questi anni infatti la borghesia, costretta a farsi carico dei debiti sostenuti dai sovrani per condurre campagne di guerra e per mantenere una classe nobiliare parassita, rifiuta queste imposizioni e dà vita alla Rivoluzione Americana (1775-1783) e alla Rivoluzione Francese (1789-1799). Gli ideali borghesi sono espressi dall’Illuminismo, la corrente di pensiero che si richiama ai lumi della ragione e sostiene i princìpi di libertà, uguaglianza e fraternità. Lo slancio verso la conoscenza porta inoltre, alla fine del secolo, alla nascita del fenomeno della Rivoluzione Industriale, che produrrà violenti mutamenti nel lavoro, nel paesaggio e nella vita degli individui.Il panorama artistico del Settecento è vario perché riflette le diverse condizioni sociali e politiche. La fase di predominio della società aristocratica genera il movimento Rococò, mentre la diffusione del razionalismo illuminista e la scoperta dei resti archeologici di Pompei ed Ercolano portano invece ad adottare il Neoclassicismo.

Il Rococò, arte di corte

L’architettura

Nella prima metà del Settecento domina il Rococò. L’architettura tende a una maggiore semplificazione e a un alleggerimento delle forme, con una ricerca di ritmo e armonia che si ottengono attraverso le aperture ampie, che alleggeriscono la struttura. Gli esterni degli edifici sono intonacati a colori luminosi e inseriti in giardini e spazi scenografici. I princìpi di simmetria ed eleganza dominano anche nei progetti urbanistici e negli arredi urbani delle città europee.Negli interni, invece, la decorazione è estremamente ricca, grazie a dorature, stucchi e pitture di colore vivace che ricoprono anche i soffitti, spesso decorati da affreschi di contenuto esotico, con temi ripresi dalla cultura indiana e cinese.

La pittura

In pittura il Rococò ama soggetti mitologici, descrizioni di giochi e attimi di vita quotidiana dipinti a colori teneri e luminosi (spesso usando il pastello che consente effetti più delicati), con attenzione per particolari eleganti e raffinati (fiori, nastri, piume) che rispecchiano i gusti e i passatempi di una nobiltà oziosa.

Il Vedutismo: Canaletto e Guardi

Nel Settecento Venezia mantiene un ruolo artistico straordinario, in quanto è una delle tappe del Grand Tour, il viaggio che i giovani nobili e intellettuali dovevano compiere nelle città d’arte per completare la loro istruzione. Le richieste dei viaggiatori stranieri portarono alla nascita del Vedutismo, una corrente che ha per oggetto “vedute” della città da riportare come ricordo nei Paesi d’origine. Giovanni Antonio Canal, detto il Canaletto (1697- 1768), è il più famoso autore di questa corrente, celebre sia per la qualità pittorica delle sue tele, sia per la straordinaria ampiezza di visione e precisione dei dettagli ottenute con lo strumento tecnico della camera ottica. Canaletto non è solo un vedutista, ma è anche l’illustratore della vita della città e dei suoi eventi, che riporta con grande vivacità.  Secondo per fama nel genere vedutista è Francesco Guardi (1712- 1793), che preferisce rendere l’atmosfera e le suggestioni della città attraverso l’uso di un colore sfumato e vago con cui indaga la varietà dei riflessi e delle nebbie della laguna.

Giambattista Tiepolo

Sempre da Venezia partono i Tiepolo, padre e figlio, che si impongono come i più apprezzati autori di affreschi a parete e a soffitto del secolo. Giambattista Tiepolo (1696-1770) e il figlio Giandomenico (1727-1804) sono  chiamati dal principe vescovo di Würzburg per decorare lo splendido palazzo rococò che si era fatto costruire. Al ritorno in Italia, i Tiepolo ricevono l’incarico di affrescare la Villa Valmarana di Vicenza, dove si impegnano in decorazioni molto diverse, dagli episodi mitologici, alle cineserie di gusto rococò, alle scene di vita contadina. La fama conseguita con questi lavori farà sì che vengano chiamati a Madrid per affrescare le sale del Palazzo Reale.

Pietro Longhi e la critica all’aristocrazia

Oltre agli autori che raccontano la vita di corte, alcuni artisti rappresentano la vita della borghesia e delle classi umili, o creano opere per denunciare la nobiltà corrotta.  Un protagonista della pittura veneziana che descrive la società del suo tempo in modo realistico è Pietro Longhi (1701-1785) che nelle sue opere presenta la complessità della vita nelle calli e nei campielli della città.  Più violento nella critica dell’aristocrazia, ormai senza valori, è William Hogarth (1697-1764) che ci offre uno specchio impietoso della società inglese di fine secolo.

Il Neoclassicismo

Con l’inizio delle indagini archeologiche a Ercolano (1738) e Pompei (1748), vengono abbandonate le stravaganze del Barocco e riscoperte le forme dell’arte greca e romana, considerate modelli di semplicità, equilibrio e armonia. Gli studi di Winckelmann favoriscono questo cambiamento del gusto che coinvolge non solo pittura, scultura e architettura, ma anche l’arredamento, l’abbigliamento e l’urbanistica e che prende il nome di Neoclassicismo, per sottolineare il legame con la classicità e il recupero della sobrietà e della compostezza che la caratterizzavano.

Antonio Canova

La scultura neoclassica nasce nella seconda metà del Settecento, proponendosi inizialmente come reazione nei confronti del Rococò e poi, specialmente nel corso dell’impero napoleonico, indirizzandosi alla celebrazione del regime imperiale.  Il principe della scultura neoclassica è sicuramente Antonio Canova (1757-1822), padrone di una eccezionale tecnica con cui riprende sia soggetti della mitologia antica, sia figure del presente a cui dona la bellezza ideale delle opere del passato, come nel caso della sorella di Napoleone, Paolina. 

Jacques-Louis David

Anche la pittura neoclassica segue un’evoluzione legata agli eventi politici. Il Neoclassicismo vuole dare voce agli ideali della Rivoluzione, rifacendosi all’arte antica. All’inizio dell’Ottocento, però, la presa del potere da parte di Napoleone fa crollare questi ideali e il Neoclassicismo diventa portavoce dell’esaltazione del potere imperiale.  Simbolo di questa evoluzione è la figura di Jacques-Louis David (1748-1825), la cui produzione artistica evolve dalla raffigurazione degli eroi della Rivoluzione francese e dei suoi valori ideali alla celebrazione della figura di Napoleone.

Jean-Auguste-Dominique Ingres

Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867), benché vissuto per la maggior parte della sua vita nel XIX secolo, si può considerare l’ultimo dei grandi artisti neoclassici.  Al contrario di David, Ingres rinuncia a ogni messaggio morale e politico per esaltare semplicemente un ideale di bellezza che rimanda a Raffaello. La luce e il colore delle sue opere, nonché la perfezione tecnica del disegno, sono molto ammirate dalla società parigina, dove i ritratti del pittore diventano simbolo di prestigio.

La prima metà dell’Ottocento

Il contesto storico

L’inizio dell’Ottocento è caratterizzato dal tentativo di cancellare le esperienze napoleoniche attraverso il Congresso di Vienna (1815), che pone le basi della Restaurazione.  Nonostante ciò, è impossibile cancellare gli ideali della Rivoluzione e la diffusione delle idee patriottiche, che porteranno, nel 1848, a moti rivoluzionari in tutta l’Europa, e in Italia al Risorgimento. Nella seconda parte del secolo si affermano gli Stati nazionali che intraprendono l’azione di conquista di Paesi extraeuropei (imperialismo) per procurarsi le materie prime, indispensabili con la Seconda Rivoluzione Industriale. Questo fenomeno modifica definitivamente la società: si sviluppano una forte classe operaia e il proletariato, supportato dall’ideologia socialista. Gli ultimi decenni, dominati da prosperità e ottimismo, saranno definiti Belle Époque, ma sfoceranno tragicamente nella Prima Guerra Mondiale (1914). In questo secolo si sviluppano movimenti artistici molto diversi tra loro, in connessione con i grandi mutamenti politici e sociali. 

Il Romanticismo

Il Romanticismo inglese e tedesco: gli esseri umani e la natura

Già alla fine del XVIII secolo in Inghilterra e Germania nasce il Romanticismo, che esalta il sentimento e la componente irrazionale dell’essere umano, fino a presentarne anche i lati più oscuri (la malattia, la follia, le ossessioni).Anche la Natura è vista come forza misteriosa, dalla quale l’essere umano si sente insieme attratto e spaventato, come si vede nelle opere dell’inglese William Turner Turner (1775-1851) e del tedesco Caspar Friedrich (1774-1840).Questa sensazione di impotenza e attrazione insieme viene definita come sublime e caratterizza la pittura romantica.Nella pittura di William Turner i dettagli del paesaggio vengono assorbiti in vortici di colore e di luce.Anche quando affronta temi storici, i soggetti sono solo un pretesto per studiare gli effetti della luce e lasciarsi colpire dalla potenza delle forze naturali.Diverso è l’approccio al mondo della natura di Caspar David Friedrich per cui soltanto attraverso la contemplazione del mondo naturale si può raggiungere Dio.L’idea di un continuo dialogo con il mondo della natura per trovare risposta alle domande sul senso della vita accomuna Friedrich ai più grandi poeti romantici, come ad esempio Giacomo Leopardi.

Francisco Goya

In Spagna, l’interprete più significativo della sensibilità romantica è Francisco Goya (1746-1828), autore di ritratti della nobiltà spagnola e della famiglia reale in cui esprime una sottile ironia e un’acuta critica nei confronti del potere.L’opera in cui Goya testimonia nel modo più profondo la tragedia di una Spagna travolta dall’attacco francese è Il 3 maggio 1808 a Madrid dove viene rappresentata la fucilazione dei patrioti spagnoli. Goya mostra nelle Peinturas negras (pitture nere) e nelle incisioni chiamate Caprichos tutto l’orrore per una società in cui non esistono giustizia e bene: gli elementi mostruosi, le scene di stregoneria, i riti macabri si inseriscono nel filone “nero” o “gotico” del Romanticismo.

Il Romanticismo storico

In Francia e in Italia si sviluppa un Romanticismo legato al recupero della storia e della tradizione nazionale, viste come base per la realizzazione della libertà e, nel caso dell’Italia, dell’indipendenza.Nell’arte questi ideali si esprimono nella celebrazione della figura dell’eroe o del popolo che lotta contro il potere per la conquista della libertà, come possiamo vedere nell’opera di Eugène Delacroix (1791-1824), La libertà guida il popolo.Jean-Louis-Thèodore Gericault (1791-1824), invece, con La zattera della Medusa, sceglie di rappresentare un fatto di attualità per offrire una lettura allegorica delle condizioni della Francia. L’interesse del pittore per gli aspetti più oscuri della vita quotidiana è inoltre evidente negli studi sui malati nei manicomi, considerati vittime della società.

Francesco Hayez

In Italia la figura di maggior spicco è Francesco Hayez (1791-1882) che sceglie sia di rappresentare episodi della storia italiana, sia temi di attualità, esprimendo la passione patriottica che animava in quegli anni tutti gli Italiani. La fama di Hayez è legata anche alla sua grande abilità di ritrattista che ne faceva l’artista prediletto dell’aristocrazia lombarda.

Il Realismo

Nella metà dell’Ottocento ha importanza fondamentale la corrente del Realismo, che rifiuta le convenzioni della pittura tradizionale per adottare elementi tratti dall’osservazione della realtà, in particolare della vita dei più umili. Questo movimento diventa, in un certo senso, ufficiale quando il pittore Gustave Courbet (1819-1877) nel 1855 fa costruire a Parigi un Pavillon du Realisme (“Padiglione del Realismo”) per esporvi le sue opere rifiutate all’Esposizione universale. Prima di Courbet la scelta di descrivere la vita del popolo senza usare toni compassionevoli o grotteschi era già stata adottata da autori come Millet (1814-1875) e Daumier (1808-1879).Con Courbet il Realismo diventa una scelta consapevole e provocatoria: il Funerale a Ornans scandalizza infatti i borghesi poiché con questa grande tela Courbet si libera di tutte le convenzioni che volevano, per tele di grandi dimensioni, soggetti elevati. L’opera viene perciò considerata il manifesto del Realismo.La fotografia è la tecnica con cui si fissano immagini su un supporto trattato con sostanze che reagiscono alla luce se sono esposte a essa. La macchina fotografica è l’evoluzione della camera ottica dove al foglio di carta viene sostituita una lastra cosparsa di sostanze fotosensibili.Questa evoluzione è resa possibile dai progressi compiuti dalla chimica all’inizio del XIX secolo e, in particolare, dagli studi di Niépce (1839) e Daguerre (1838), inventore di una tecnica che da lui prende il nome di dagherrotipia: le immagini vengono impresse, in positivo, su una lastra di rame, e non sono replicabili in più copie.È soltanto con la nascita della fotografia in negativo che questa tecnica comincia ad avere una certa diffusione. All’inizio viene considerata incapace di esprimere la creatività degli artisti. Verso la metà del secolo, però, si comprende che può sviluppare ricerche sulla composizione e sulla luce e cogliere la personalità dei soggetti ritratti: con Nadar la fotografia diventa interprete del carattere dell’individuo, come nella serie dedicata all’attrice Sarah Bernhardt.In Italia, la prima agenzia fotografica dei fratelli Alinari, nata nel 1852 a Firenze, avrà grande importanza perché grazie a essa nascerà il genere del reportage. Intanto, all’Esposizione di Belle Arti di Parigi del 1859, la fotografia compare come arte autonoma.

La seconda metà dell’Ottocento

Il contesto storico

Nella seconda metà del secolo alcune innovazioni tecniche (come quella del cavalletto portatile e dei tubetti di colore) modificano il rapporto fra gli artisti e i luoghi di lavoro, favorendo la nascita della pittura en plein air. Gli artisti, inoltre, si ribellano al sistema delle accademie ufficiali. Cambiano anche i rapporti degli autori con la società: con l’ascesa della borghesia industriale si modificano i gusti dei committenti, che sono sempre più condizionati dalle opinioni dei critici e dai consigli dei galleristi. Coloro che vogliono affermare la propria individualità e autonomia vengono catalogati come “artisti maledetti” e respinti ai margini della società. A modificare gli interessi e la creatività degli artisti contribuiscono anche le Esposizioni Universali che mettono in contatto i pittori occidentali con culture nuove come quella giapponese.

La città che cambia

Una delle conseguenze più vistose dei mutamenti del XIX secolo, in tutta Europa, è la trasformazione del tessuto urbano e dell’aspetto delle città.In questo secolo si realizza la supremazia, artistica e culturale, della Francia, e in particolare di Parigi, che diventa l’esempio dei mutamenti avvenuti. Si impone la necessità di adottare piani regolatori per organizzare in modo più vivibile il tessuto urbano; qui, su progetto del barone Haussmann, il centro medievale viene abbattuto per consentire la costruzione di grandi boulevard. L’evoluzione tecnologica, poi, favorisce l’utilizzo di nuovi materiali come l’acciaio, la ghisa e il vetro. La realizzazione più famosa con questi materiali è la Torre Eiffel.

L’Impressionismo

Gli autori più sensibili al rinnovamento sono i pittori chiamati Impressionisti. Questi artisti hanno un nuovo modo di concepire l’arte: alla visione elegante e oggettiva della natura proposta dagli autori accademici, infatti, essi decidono di sostituire una visione personale, soggettiva, della realtà, cioè, un’impressione. Le principali caratteristiche della loro pittura sono: la pittura en plein air; la scelta di soggetti tratti dalla vita quotidiana delle città; la mancanza di disegno preparatorio, sostituito da colori puri, non mescolati, accostati in piccole pennellate affiancate, date con rapidi tocchi; il rifiuto del colore nero e l’adozione, invece, di ombre colorate; la scelta di prospettive inusuali al posto della visione centrale.

Eduard Manet, il maestro ribelle

Nel 1863 Eduard Manet (1832-1883) desta grande scandalo esponendo nel Salon des refusés la tela che dà un nuovo indirizzo alla pittura, cioè Le déjeuner sur l’herbe. In quest’opera i giovani artisti che aderiscono all’Impressionismo vedono un modello per la sfida alle convenzioni borghesi. Lo stesso scandalo viene provocato da Olympia in cui i modelli di Giorgione e Tiziano sono trasportati nella contemporaneità. Il rispetto per il disegno e il ricco uso del nero che conferisce, per contrasto, grande luminosità alle sue tele sono elementi fondamentali nella pittura di Manet e lo rendono diverso dagli altri impressionisti.

Claude Monet, il poeta della luce

Il principale interesse pittorico di Claude Monet (1840-1926) è studiare gli effetti della luce sul mondo circostante, dalle prime opere, nelle quali figure umane e paesaggi sono ancora delineati con un netto disegno, alle ultime, nelle quali le forme si dissolvono in pennellate veloci. Il vero soggetto delle sue tele non sono, perciò, né gli individui né i paesaggi, bensì la luce stessa e le sue capacità di trasfigurare gli elementi su cui si posa.

Edgar Degas, lo sguardo del fotografo

Edgar Degas (1834-1917) è l’autore più originale tra gli Impressionisti. Si distingue per le tecniche adottate, come la predilezione per il pastello e il mantenimento di un disegno preparatorio; in secondo luogo per la sua scarsa simpatia per paesaggi o scene en plein air a cui preferisce ambienti chiusi o decisamente affollati: se pure a volte si dedica a riprodurre scene all’aria aperta, in verità le realizza nel suo atèlier.Degas usa indifferentemente oli, pastelli e bronzi il cui soggetto principale è la rappresentazione di ballerine, tema molto ricercato dai collezionisti dell’epoca e che gli consente di portare avanti gli studi sul movimento che ha approfondito basandosi sulle nuove scoperte della fotografia.

Macchiaioli e divisionisti

In Italia la reazione alle accademie viene incarnata dai Macchiaioli, un gruppo di giovani artisti che cominciano a riunirsi presso il caffè Michelangelo, a Firenze. Anche nel loro caso, come per gli Impressionisti, il nome con cui vennero poi riconosciuti è usato per la prima volta in senso dispregiativo da un critico d’arte, per sottolineare come questi pittori rifiutino il disegno preparatorio e come stendano la pittura a grandi macchie di colori a contrasto, senza rifinire le opere con interventi di chiaroscuro o con velature. I più significativi rappresentanti di questa corrente sono Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Raffaello Sernesi, Giuseppe Abbati, Telemaco Signorini. Verso la fine del secolo, si sviluppa in Italia anche un’altra corrente artistica, il Divisionismo, che sostituisce alle pennellate piccolissimi tratti di colore, ottenendo, anche in questo caso, un effetto di grande luminosità. I rappresentanti più famosi di questa corrente sono Giovanni Segantini, che si distingue per la grande forza emotiva, e Giuseppe Pellizza da Volpedo.

Il Postimpressionismo

Il movimento impressionista ha vita breve, perché ben presto all’idea di una pittura nuova nella forma, ma sempre legata alla rappresentazione della realtà (come era l’Impressionismo), si sostituisce l’idea di una pittura che riflette i sentimenti e i pensieri dell’artista.  La pittura, da finestra sul mondo, diventa "finestra sulla mente e sull’animo dell’artista".   Il Postimpressionismo comprende un gran numero di autori e scelte stilistiche molto differenti fra loro.

Paul Cézanne, l'essenza delle cose

L’arte di Paul Cézanne (1839-1906) ha il principale obiettivo di cogliere l’essenza, la struttura delle cose, cioè la loro struttura geometrica di base, riducendole a figure essenziali, che egli riporta sulla tela tramite pennellate semplificate, più ampie di quelle impressioniste.  La conseguenza più evidente è la scomparsa della prospettiva tradizionale che non risulta più necessaria in un mondo che si allontana dalla descrizione oggettiva della realtà. La ricerca di Cezanne sarà fondamentale per il Cubismo, nei primi del Novecento.

Paul Gauguin, la fuga dalla civiltà

La vita tormentata di Paul Gauguin (1848-1903) si riflette nelle sue opere. Oltre ai problemi personali, ciò che spinge il pittore così lontano, sino in Polinesia e alle Isole Vergini, è il desiderio di ritrovare un’esistenza ispirata a valori più autentici, fra gente non corrotta dalla civiltà.  Il rifiuto della società borghese lo porta anche a rifiutare la pittura tradizionale: non vuole rappresentare la realtà così come gli occhi la vedono, ma come l’artista la percepisce.  Semplifica al massimo le sue composizioni, servendosi di campiture di colori piatti definite da marcate linee di contorno.

Georges Seurat e il Puntinismo

Verso il 1880 un gruppo di artisti decide di utilizzare le scoperte nel campo dell’ottica del chimico Chevreul, il quale aveva scoperto che, se si affiancano due colori complementari le loro qualità cromatiche si rafforzano, mentre se mescolati la loro luminosità si attenua. Il capofila è Georges Seurat (1859-1891) e la tecnica pittorica, basata sull’accostamento di piccolissimi punti di colore puro, è il Puntinismo. Il capolavoro del movimento è Una domenica pomeriggio sull’isola della grande Jatte. Seurat muore giovanissimo e la sua opera diventa modello per Paul Signac (1863-1935), che, invece dei puntini, usa macchie cromatiche più ampie e colori più intensi e luminosi.

Vincent van Gogh e l'energia dell'universo

Fin dalle prime opere, la volontà di denunciare le ingiustizie sociali e il rifiuto della pittura accademica spingono l’olandese Vincent van Gogh (1853-1890) a utilizzare colori e segni grezzi, quasi brutali, sgradevoli come le scene che presentano. Il trasferimento a Parigi e la scoperta del Puntinismo permettono a Van Gogh un grande cambiamento e la possibilità di elaborare lo stile particolare, nervoso e vibrante, con cui dare espressione al suo mondo interiore. La vita parigina, tuttavia, lo delude profondamente, perciò, affascinato dalla luce e dai colori della Provenza, nel 1888 Van Gogh si stabilisce ad Arles. Dopo un violento litigio con Gauguin ed essersi autoinflitto una grave ferita, Van Gogh viene internato in una casa di cura. Trascorre l’ultimo periodo della sua vita a nord di Parigi dove, nel 1890, si suicida.  La sua arte, fatta di pennellate nervose e vibranti, di colori violenti e contrastanti, è la piena espressione del tentativo di rappresentare sulla tela le energie e le forze incontrollabili che dominano il mondo naturale e l’animo umano.  Tuttavia quest’arte, nonostante la deformazione degli aspetti della realtà, non è solo frutto di uno stato di eccitazione mentale, ma è sempre generata da un’attenta osservazione del mondo naturale. 

Henri de Toulouse-Lautrec e la vita notturna di Parigi

Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), affetto da una grave deformità alle gambe, ottiene facilmente dalla famiglia, appartenente all’alta nobiltà, di dedicarsi esclusivamente all’arte. A Parigi entra in contatto con i centri della vita notturna, i locali da ballo e i cabaret. Grande ammiratore di Degas, da lui eredita il gusto per il taglio fotografico delle inquadrature e anche per le scene di vita in luoghi equivoci. Le sue opere sono sempre molto essenziali, caratterizzate da linee di contorno molto visibili, una notevole dinamicità e una gamma di colori molto ridotta. Grazie a queste caratteristiche le sue affiches, i primi manifesti pubblicitari, diventano famosissime.

L’Art Nouveau

Nel XIX secolo appare evidente che lo sviluppo della Rivoluzione Industriale ha provocato una maggiore e più rapida produzione di merci, ma anche un abbassamento della loro qualità. Negli anni ’80 dell’Ottocento, in Inghilterra, nasce un’associazione di arti e mestieri, la Arts and Crafts Exhibition Society, che si pone l’obiettivo di migliorare dal punto di vista estetico la produzione industriale di oggetti d’uso. Alla fine del XIX secolo il movimento, nato dall’esigenza di rinnovamento delle arti minori, investe anche pittura, scultura e architettura, e si diffonde in tutta Europa, diventando un vero e proprio stile, con il nome di Art Nouveau in Francia, Liberty in Italia, Jugendstil in Germania, Modernismo in Spagna, Sezession in Austria, Modern Style in Inghilterra. L’Art Nouveau si caratterizza per l’uso di linee curve e flessuose, decori floreali e naturalistici, asimmetrie e forme allungate ed eleganti e prende possesso di tutti i campi che hanno una componente estetica: grafica, gioielleria, arredamento, abbigliamento, tessuti, architettura e arredo urbano, per interessare, ovviamente, anche la pittura.

Gustav Klimt

Gustav Klimt (1862-1918), figlio di un orafo viennese, è il rappresentante più famoso della Sezession viennese. Il programma della Secessione consiste nell’abbattere le differenze fra arte “alta” e “bassa”. Klimt manifesta subito questa libertà mischiando arte e oreficeria, pittura e artigianato; questa contaminazione inizialmente sconvolge la società viennese, ma poi la affascina al punto da fare di Klimt il ritrattista prediletto della ricca borghesia.